Наверх
Меню
Меню

Мои лоты

Артур Грелль

Рейтинг:
(181)
Рейтинг по сделкам:
+0 -0
Дата рождения
01/01/1915
Регион:
Украина, Киев
Все лоты пользователя
Подписаться
Тип записи
Категории
Дата публикации
Тег

Яхтами можно владеть. Яхты могут владеть вами. Яхты можно конструировать. Яхты - это большие деньги: их покупают и продают. Яхта может быть демонстративным потреблением, капитализацией социальной репутации. Яхтами можно бредить. О них мечтают в детстве. Яхта – это средство для овладения собой в природном пространстве мира. Как кисть, слово или резец – средства покорения пространства искусства. Яхтами можно воспевать море. И, конечно, яхты можно воспевать словом или кистью, как Мария Лашкевич, выставка которой недавно завершилась в KZ ART Room. Персональная выставка «Призма... пейзаж» - это собрание различных по средствам художественного выражения полотен, объединенных авторским чувствованием природы сквозь призму личных путешествий. Мы в данном тексте и мыслях своевольничаем, отдельно выделяя парусную тематику в творчестве автора. Учитывая, кроме прочего, работу художника на пленэрах в Хорватии, на Днепре, Десне, Черном море и других водных и прибрежных пространствах. А также и рассказ про свое участие в парусной регате. Так что этот своевольный выбор имеет основания. Яхтинг, регата, поход – это путешествие, которое рождает нарратив, музыкальную пьесу, визуальный образ. После похода – история путешествия в самых разных формах изложения и представления. Вспоминается одна из таких ярких историй – книга американского яхтсмена Стивена Каллахэна “В дрейфе: 76 дней в плену у моря” (Л.: Гидрометеоиздат, 1990. Пер. с англ.). «С тех пор я загорелся мечтой пересечь Атлантику на небольшой парусной яхте. Шли годы, и постепенно я приобретал необходимую сноровку. Я читал книги о великих морских путешествиях […] я принимал участие в строительстве сорокафутового парусника […] стал профессиональным судостроителем и перебрался жить прямо на борт яхты; […] отваживался ходить в океан до Бермудских островов; […] И все это время где-то в подсознании, не покидая меня ни на минуту, жили Мэнри и его «Тинкербель», его пример вдохновлял меня, и моя жизнь обрела смысл и цельность» (С. Каллахэн). Витийствовать, мечтать, но и строить. Желать, но и стремится к воплощению. Путешествие не только путь, но и подготовка: подтянуть парус холста, проверить такелаж кистей, закрепить якоря уайт-спиритов

1 В галерее «Хлібня», что на территории Софии Киевской, 17 июня состоялась презентация персональной выставки художника Катерины Косьяненко, в рамках ІІ-го Международного фестиваля искусств “Анна Київська Фест”. Выставка еще открыта. Так что время еще есть посетить и проникнуться. О древних граффити в Софийском соборе, автографе Анны Киевской, об этимологии слова “граффити”, которые связаны с проектом Катерины Косьяненко, писать не будем, поскольку это подробно обговаривается в анонсах и пресс-релизах к выставке. Сама по себе тема древнерусского (древнекиевского, украинского, национального - кому как угодно) очень интересна. Особенно, когда можно видеть не только повторение канонов, но представление их в новом авторском свете. То, что это тема привлекла внимание Катерины Косьяненко, всегда тяготеющей к истории этой земли, Киева, Киевской Руси, Украины вообще, Киевского собора в частности, не кажется удивительным. – Это логично и контекстуально для этнографически настроенного художника. Достаточно вспомнить прошлые блестящие выставки и проекты, такие как “Календар”, “Тіні забутих предків”, “Мої Мамаї”, “Трамонтана”. Все они, разумеется, разные и уникальные, но есть в них общий стержень, делающей автора однозначно узнаваемой. И каждый раз, когда бываешь на выставках художника, появляется чувство верховного эстетического наслаждения и определенный поток мыслей.    2 «Неймовірно цікаво відчути вплив давнини на сучасність, віднайти зв’язок з першоджерелами, знайти спільну мову, простежити віхи еволюції, а іноді й ознаки певної деградації. На жаль, саме сучасне образотворче мистецтва часто ігнорує професійну майстерність та духовність» [1].  Интересны художники, не чуждые связи времен, будь то в литературе или живописи,  кинематографе или скульптуре. Не раз уж мы писали об этом, может быть даже и с излишней навязчивостью. Но что делать, если вариации на эту тему так близки. Субъективность – не костюм, но кожа; сменить не просто.      Катерина Косьяненко – одна из них, ответственных за свое время и связь времен, с философским подходом к феномену времени, проходящему сквозь историю культуры

7 июля в киевской галерее KZ ART ROOM открывается выставка члена Национального союза художников Украины - Марии Лашкевич «Призма…пейзаж» - 5-я персональная выставка художницы, гости смогут оценить как «минимал-арт» - спектральное отображение горных массивов украинских Карпат, это пейзажи выделенным цветом так и работы созданные в технике гиперреализма, написанные после путешествий автора по Европе и Украине. Эти работы дополняют представление о художнике, о её динамике в творчестве и её умении видеть и чувствовать природу. Этап, когда создана форма пейзажа, где главным есть легкость чистого простора, отобранность деталей и цвета, эмоциональная сдежанность и композиционная открытость. Достаточная этюдность и техничность наполняют работы живым авторским чувством - куратор выставки Дмитрий Струк. Главная концепция экспозиции центрального зала - соединение целостного цветового пятна арт-холста с общим дизайном интерьера, а идеология заключается в синтезе живописного и дизайнерского решений, характеризующегося четкостью форм и минимализмом средств. На выставке представлены эмоциональные пейзажи - это цветовые пятна в цвете интерьера, по сути призывающие зрителей и художников разгадывать спрятанные эстетические послания… Выставка будет проходить с 7 по 20 июля 2016 г. Официальное открытие состоится 7 июля в 18.30 по адресу г. Киев, ул. Олеся Гончара, 22

  29 червня о 18.00 галерея «Триптих АРТ» запрошує на відкриття персональної виставки живопису Володимира Подлевського «Народження Світу», на якій будуть представлені живописні роботи, написані протягом останнього року. Після подорожей до Індії художник створив серію картин, що стала початком нового проекту «Сім храмів».  У міфах древніх народів спочатку був океан, з якого постав світ. Так думали в Шумері, Стародавньому Єгипті, Індії. В індійських міфах спочатку утворився океан. З океану постав вогонь і від його тепла зародилося яйце, що довго плавало в океані, доки не виник прабатько Брахма. Він розбив яйце навпіл і з однієї половини утворив землю, з другої – небо, а між ними вдихнув повітря. І цей деміургічний акт досі надихає митців.   Мінімальними кольорами автор відтворює універсум, повторюючи давню традицію художнього осмислення початку світу. Через індійські монохромні образи народжується нова золота доба, що ніколи не зникала. І знову здіймаються дивовижні храми, скульптури і рельєфи. Чи не є це шлях до пізнання самого себе? Тож знову з туману віків з’являються Паллави, що зводять великі столиці. Ці люди нагадували богів і своїм будівництвом храмів наближалися до них. Нарешті настає час збирати камені, щоб знову будувати нові храми – храми своєї душі. Сила океану, з якого вийшло життя, і є історією народження Індії. Наповнені багатовіковою енергією храми завжди породжували бажання змінити себе. Саме це створило в душі художника нове світобачення навколишнього життя. Адже що врешті-решт є найдовшим шляхом у світі, як не шлях до себе? Тільки для цього варто підійматися на найвищі гори, шукати святі землі та все потрібне в собі, щоб змінитися і стати щасливим. Це і є та духовна сила, що пронизує художній світ Володимира Подлевського.  

В рамках ІІ-го Міжнародного фестивалю мистецтв "Анна Київська Фест" у виставкових залах галереї "Хлібня" відбудеться виставка живопису Катерини Косьяненко "Графіті для Анни" Відкриття виставки 17 червня о 19.00 Графіті (походить від італ. grafficare - дряпати, дослівно «надряпані») - одна з давніх технік настінного малярства, випадкові написи і малюнки на стінах будинків. Сучасні графіті - специфічні тексти та малюнки, досить агресивна урбаністична субкультура, саме це поняття найбільш відоме сучасному глядачеві. Всесвітньо відомі графіті Софійського собору Києва (11 ст.) - це написи та малюнки, залишені священиками та відвідувачами (збереглися понад 300). Живописний проект "Графіті для Анни" київської художниці Катерини Косьяненко виник під впливом давніх текстів та фресок Софійського собору, він містить у собі візуальні послання у вигляді зображень та стилізованих текстів, близьких за стилем до зображень Софійського собору Києва. Віднайдено і автограф київської княжни Анни Ярославни. Він розташований в арці – переході між центральною навою та приділом Анни та Іоакима, на зображенні св. Пантелеймона. Цей автограф також став певним каталізатором мистецького проекту, здійсненому художницею до київського заходу "Анна-фест 2016". Живописна серія "Графіті для Анни" є візуальним діалогом між давниною та сьогоденням, апелюванням до давніх часів з їх високими духовними мистецькими зразками, зокрема, мозаїкам та фрескам київського Софійського собору. Неймовірно цікаво відчути вплив давнини на сучасність, віднайти зв'язок з першоджерелами, знайти спільну мову, простежити віхи еволюції, а іноді й ознаки певної деградації. На жаль, саме сучасне образотворче мистецтва часто ігнорує професійну майстерність та духовність. Наша сьогочасність збудована на давньому фундаменті, часто зруйнованому та призабутому. Ми заглядаємо в сиву давнину з цікавістю, аналізуючи. Відтворюємо своє уявлення про давні часи, створюємо образи, відштовхуючись від старовинних зображень і своїх відчуттів тотожності і правдивості. Фрески Софійського собору із зображенням дочок київського князя (Володимира чи Ярослава Мудрого) достатньо стилізовані та узагальнені. Все ж, ці зображення дають можливість в наш час відтворити переконливий образ Анни Ярославни. Уявне зображення Анни в проекті "Графіті для Анни", пов’язане в візантійською іконописною традицією, персонаж має великі виразні очі, шляхетну поставу. Гіпотетичний, але виразний портрет давньоруської княжни, королеви Франції, високоосвіченої, талановитої. Анна неначе заглядає з давнини у нашу метушливе сучасне життя. Інший темпоритм, інші цінності, персонажі, але містичний міцний зв'язок все одно є.  Тож, не тільки ми вдивляємось і вигадуємо для себе минуле. Воно сканує нас очима відтворених давніх фрескових ликів, переплітається з образами сучасного життя. Ф

Творчество как работа. Работа как судьба. Слово “работа” - почти неказистое, почти муторное. Так может кажется многим. Так оно и есть наверное, если работа – внешняя обусловленность выживания и необходимость, работа как экономика. Но не работа как творческое. Одно маленькое, но важное отличие. Работа на себя, работа не в офисе, работа не на начальство. Еще раз: внутренняя работа, работа, чтобы быть собой, работа с собой. Вот собственно – имманентное Анду как художнику. Нам нравятся слова “работа”, “труд” (когда, конечно, за словами есть и дела), понятия, вымирающее в области современного искусства сегодня.     Работы, представленные на выставке, охватывают долгий период творчества Алексея Анда. Это и вещи 2000 года и 2011, уже знакомые (почти родные) и совершенно новые. И очень радует, что автор не постеснялся (если такое слово уместно) выставить свои старые работы. Они вовсе не “старые” – они вечные. В том смысле, что проверенные временем. В том смысле, что не только не теряют своего очарования от многократного приближения к ним, но напротив только увеличивают в глазах зрителя свое очарование, свою глубину, свое техническое и идейное мастерство. На отличных работах глаз не устает, плохонькие – один лишь раз увидеть и забыть. Последних на выставках Анда и не бывает. Работ у мастера не много, но все совершенны.     Каждая работа ценна. Вероятно поэтому автор дает своим полотнам столь точные, привлекательные, объемные - скажем даже так - названия. Терпеть нельзя все эти “Абстракция № 49”,  “Красное № 28” или “Пейзаж 345-ый”, отдающие замятиновским “Мы” или «Новым дивным миром». Не Замятин и не Хаксли, разумеется, а сами их безликие персонажи. У становящийся работы должно имя личное, а не знак переменной, уж тем более не лагерный номер а-ля ”#67430”. Странно (или закономерно), почему contemporary art так привлекает лагерная нумерология? Вопрос уж точно не Анду, а психотерапевтам от прогрессистов. Работе необходимо имя, как рожденному ребенку. Причем, не присвоенное арт-администрацией имя, но созревающее, выношенное, становящееся. И как раз это свойства – становления (в самом что ни на есть шпенглеровском смысле), работы, Труда с большей буквы, ремесла, стиля, идеи и таланта в их гармоничном соединении (понятно, что одного только ремесла не достаточно, равно как и одного таланта) в избытке у

14.04.2016 г. в 18.00 в Центре современного искусства "SOVIART" состоится открытие персональной выставки  Алексея Анда "ТРАЕКТОРИЯ СУДЬБЫ". Куратор: Светлана Стоян, доктор философских наук, директор Арт-центра «Alter Ego» Взлеты, падения, поиски себя, нахождение смыслов и постановка целей – так отрезок за отрезком выстраивается «траектория» нашей судьбы, пульсацией сердца рисуя зигзаги на тонкой ткани мятущейся души. Вопросы и ответы, разочарования и победы, потери и обретения – все это мощным энергетическим сгустком концентрируется в новой картине Алексея Анда во взгляде Николая Амосова, символически сжимающего обрывки кардиограммы, словно пытаясь замкнуть и запустить заново ритмы человеческой жизни. Инсталляционный дождь из металлических скальпелей, пронзающий «бумажную нить» сердечных ритмов, врезается и оставляет неизгладимый след в сознании дарующего и невольно отбирающего жизнь. Сквозь все круги ада с персонажами своей «Божественной комедии» проходит герой еще одной картины Алексея – Данте Алигьери – в образе которого запечатлены трагизм и величие человеческой судьбы. Каждый из нас прокладывает собственный жизненный путь, каждый из нас в определенный момент осознает необходимость подведения итогов для обретения новых горизонтов и новых импульсов творческого развития. Именно этими смыслами наполнена новая серия ассоциативно-символических работ Алексея Анда, представленная на выставке «Траектория судьбы», что неслучайно уже своим названием динамически объединяет прошлое и будущее, подводит итоги и очерчивает новые перспективы. Художник, расширяя цикл картин, органично вмещающих в себе как живописный символический образ, так и объемные элементы – инсталляции, словно играя, предлагает нам выстроить линию собственных ассоциаций, связанных с переосмыслением своего жизненного пути и поиску глубинных, сущностных смыслов, благодаря которым траектория судьбы очерчивает все новые и новые зигзаги.  Светлана Стоян      

In jedem Erkennen-Wollen ist ein Tropfen Grausamkeit. Friedrich Nietzsche. “Император изящных искусств” – так называли его французы. Его именем названа одна из галерей Лувра. Это скромно, право, что одна. Состоятельный аристократ, коллекционер, дипломат, он был консультантом Александра Первого, который хотел пополнить Эрмитаж новыми работами. Его ценили короли Франции Людовики. Апофеоз его деятельности приходится на время правления Наполеона. Собственно его можно назвать отцом музейного дела как профессиональной сферы деятельности. Ж. Изабо. Портрет Доменика Вивана Денона                                          В. Лефевр. Портрет генерального инспектора   Он был «хозяином Лувра» во времена великих исторических преобразований европейской культуры. В эпоху Просвещения коллекционирование приобретает государственный смысл и размах – он непосредственно применил к этому свои знания и свой опыт, в том числе и частного коллекционера. Французская революция приговорила его к смерти как аристократа на службе свергнутого режима, но за него ходатайствовал Давид. Он избежал гильотины, был  разорен и, говорят, не без злорадства делал зарисовки казненного Робеспьера. Он собрал в одном месте лучшие образцы разных видов искусства, впервые провел в жизнь созданный им метод музейной классификации шедевров искусства по стилям и школам. Собирал он со всей сверхчеловеческой страстью – приложил свои нежные руки с конфискованному по всей Европе искусству времен наполеоновских войн. Правда, это не было его собственным новшеством. Еще якобинский Конвент летом 1794 года делал предписание своим эмиссарам – искусствоведам при погонах или, скажем так, армейским уполномоченным по искусству, вроде Люка Барбье – «Посылать в составе наших армий знающих граждан [...] разыскивать и конфисковывать произведения искусства в странах, захваченных нами». Уже позже шли подобным путем национал-социалисты, англичане, большевики, передовые отряды искусствоведов армии США – и, разумеется, не благих общечеловеческих целей ради. Он был и одним из тех, кто возродил интерес к Проторенессансу и искусству Раннего Возрождения. Всех заслуг его пожалуй трудно перечислить. Наполеон, который предпочитал молодость в своем окружении, сделал для него исключение. Бонапарт называл его «молодой старик». А «старик» не без пользы для к

Все остальные лишь ткали для меня холст: они все были немецким, метафизическим происхождением моей настоящей мысли. Жан-Люк Нанси В декабре в Музее Киева состоялась первая масштабная персональная выставка художника Тани Василенко «Право на жизнь». Это серия полотен, эмоциональных и чувственных, как считает сам автор работ. «Работы физически многослойные и имеют отчетливую фактурную составляющую, зачастую эти чувства - буквально “выпуклы”». Открытие выставки состоялось в атмосфере дружеского общения, музыки и вина. Галерея при музее истории Киева оставила самые приятные впечатления: кондиционер, небольшой, но просторный зал, нормальное современное точечное освещение. Основной свет по-моему стоило приглушить. Что еще надо художнику для выставки, для комфортного приема гостей? Экспозиция представляла работы в основном большого формата. Фактурность некоторых работ, которые хочется выделить отдельно, и о которых сказано в пресс-релизах, действительно в буквальном смысле доходила до предела, когда уже и сам холст сжимался в складки бытия.  В складки – холста. В почти геологическую грунтовую кривизну произвольной формы. В изгиб полотна и изломы. Кстати сказать, упоминаются эти метафоры не всуе. «Складка» («Сгиб», «Различение»), если вспомнить, как понятия и термины – как в классической, так и в неклассической философии, эпохи постмодернизма, – часто встречаются в работах Деррида, Фуко, Делёза, Хайдеггера, порою являясь ключевыми для рассуждений о мире указанных авторов.  Не будем уходить здесь в философские дебри, малопонятные современным художникам и вообще малоинтересные читателю. Но нельзя не привести хотя бы самую известную мысль французского философа Жиля Делеза: «Мысль – это складка бытия». Что ж, зрителю надо прийти, увидеть складки холста, задуматься о бытии, оценить самому полотна художника. Кто не успевает на выставку, тот может заглянуть и в студию. Понятно, что все эти мысли автору этой заметки навевались вживую перед картинами Тани Василенко и в частности перед работами «Метафизика» и «Противостояние» как наиболее «складчатыми», метафизическим и «делёзовскими». Мысли, как «складки бытия&raq

Работа кропотливая и долгая, требующая усилий и знаний, сосредоточенности и опыта. Живопись сродни виноделию. Как благородное вино, правильную картину не создашь здесь и сейчас. Скорость исполнения только ухудшит и вино, и живопись. Лишний миллиграмм не той краски - и уже не тот художественный вкус. Возвышенный, богатый и ценимый результат – всегда следствие испытанных технологий, мастерства изготовления, условий хранения. Дань традиции - это образ жизни художника Акаси.   («Вино и живопись Ольги Акаси», Гэллери Дринкс). —  Что и как должен художник вызвать в зрителе по Вашему мнению? —  Художник должен воздействовать на чувства и одновременно на разум, тем самым вызывая душевный отклик в зрителе. Иначе говоря, в зрителе должны быть глаз, сердце и ум одновременно и гармонично. Художник должен соответстовать своему зрителю, и наоборот. —  Как Вы работаете? Как добиваетесь творческой индивидуальности? —  Отвечу примером. Знаменитый  режессер Лени Рифеншталь отвечала, что успех ее работы заключается в том, что она к своей работе никого не подпускает. Тем не менее ей одной приходилось просмотреть 250 миль пленки, на что ушло 10 недель, чтобы осуществить монтаж фильма. То есть, бешеная работоспособность, терпение, умение и высокая планка в работе.  —  Какая свою картину Вы считаете самой идеальной или самой близкой для себя? —  Вы знаете, каждое полотно художник пишет как идеальное. Хорошо, пусть это я говорю только за себя. Но идеальное в сознании и идеальное в реальности – это уже разное. Понимаешь, что идеала в мире не существует. Видимо он не нужен во плоти, иначе не будет мотива работать, стремиться. Но само стремление к идеальному в живописи и самосовершенствование необходимы, без них, без этого платоновского мира идей не будет и картины с большой буквы. А если ответить кратко, то самая близкая для меня картина – это самая дальняя, то есть всегда та, которая еще только обдумывается. —  Как Вы думаете, чего возможно не хватает искусству в наше время? —  Ремесла как умения, техники и рукотворности. Много говорят о духовном, но хотелось бы, что слова подтверждались все-таки делами. Имя, бренд – это все хорошо, понятно, но за именем все-таки должно быть качество, умение, профессионализм. И добавлю,

ФОРМА ОБРАТНОЙ СВЯЗИ
Проверочный код *
Восстановить пароль
Для восстановления пароля введите адрес электронной почты, указанный Вами при регистрации. Вам будет отправлено письмо с дальнейшими рекомендациями.
Если у Вас возникли вопросы, свяжитесь с нами по телефону: 044-331-51-21
Авторизация
Регистрация
* Обязательно для регистрации на ресурсе
** Обязательно для выставления лотов
Пароль должен иметь длину не менее шести знаков; содержать комбинацию как минимум из трех указанных ниже знаков: прописные буквы, строчные буквы, цифры, знаки препинания; не должен содержать имени пользователя или экранного имени.
Проверочный код
правила ресурса *
условия аукциона **